Непростые цифры
Слово «видео» прочно вошло в современный лексикон. Хотя с момента изобретения кинематографа до начала эпохи видео прошло 74 года, а сама эта эпоха еще не отпразднует и первые полвека существования. Технология видеозаписи, а с ней и обработки, передачи и хранения подвижного изображения имеет множество стандартов, причем как цифровых, так и аналоговых. Первый формат U-Matic появился в 1969 году, и видео, претерпев множество технических нововведений, прошло различные стадии: от записи на магнитные ленты до цифрового кинематографа, не требующего использования кинопленки вовсе.
Но заявлять о достижении пика технологического развития цифрового кинематографа пока рано: первый фильм, снятый на цифровую камеру («Видок» Питофа), вышел только в 2001 году. Многие копии цифровых фильмов по-прежнему записываются на пленку для показа в кинотеатрах. Первой картиной, не только почти целиком снятой на цифровые носители, но и впервые не перезаписанной на пленку, стал вышедший в 2007 году фильм «300» Зака Снайдера. Его показывали с помощью специальных цифровых проекторов.
Более того — торжество применения цифровых технологий во время съемок привело к тому, что многие актеры так и не увидели «живых» декораций.
Развитие кинематографа
Дальнейшая кинодеятельность Братьев Люмьеров была связана с созданием и распространением сети кинотеатров. После того как изобретатели предоставили франшизу, их партнерами стали организовываться кинопоказы, началась закупка киноматериала. В результате, бизнес получил огромный успех, ведь во всем мире была создана киносеть. Но со временем количество кинотеатров заметно выросло, и Люмьеры почувствовали серьёзную конкуренцию.
В итоге, братья больше не стали заниматься кинопроизводством и возобновили свою деятельность в области совершенствования фототехнологий.
История развития кинематографа запечатлела борьбу человеческих умов с несовершенством пленки. Первые фильмы имели маленькую продолжительность из-за того, что киноаппаратура была несовершенной. Однако в начале двадцатого столетия продолжительность кинокартины уже увеличилась до пятнадцати-двадцати минут. В 1897 году Вудвил Латам изобрёл механизм, с помощью которого стало возможным использование более протяженной пленки. Данное изобретение назвали петлёй Латама. Его имя должна включать в себя даже история кинематографа, рассказанная кратко.
Большая заслуга в развитии кинематографа принадлежит французу Жоржу Мельесу. Благодаря ему возникла первая киностудия, которая представляла собой самостоятельное предприятие. Мельес занимался разработкой технологий создания спецэффектов. Также его главными достижениями являются съёмка первого фильма ужасов, а также съёмка первого фантастического фильма.
первые спецэффекты
Известный американский кинорежиссёр Дэвид Гриффит стал создателем концепции «крупного плана». Именно его усилиями была создана традиционная схема: кадр-план-схема-эпизод. Такой была история первого кинематографа в мире.
Постмодернизм в кинематографе
В 80-е гг в кинематографе началось активное развитие направления постмодернизма. Это идея о том, что все логические доводы равноправны. Постмодернизм отрицал возможность существования истины, как чего-то неопровержимого.
Представителями этого направления в кинематографе стали молодые режиссеры, а самым заметным и ярким из них стал Дэвид Линч. Режиссер не боялся работать с динамичными и даже несколько банальными сюжетами с примесью мифологии. Все свои картины Линч воплощает с помощью одних стилистических приемов или комбинируя разные стили. Прочтите, какими мифами окутан его сериал «Твин Пикс».
Наиболее ярким и значительным фильмом того времени стала картина Квентина Тарантино “Криминальное чтиво”. Режиссер с лихвой сдобрил фильм различными цитатами из других картин и отсылками к поп-культуре. Тарантино не побоялся подорвать все жанровые структуры и не прогадал. Насилие в кадре воспринимается как важная часть сюжета. Именно Тарантино во многом заложил основу для криминальных фильмов.
Но Тарантино произвел резонанс не своим подходом к насилию, а отношением к повествовательной канве. Фильм представляет собой склейку нескольких сюжетов, которые зритель видит в хаотичном порядке. Некоторые моменты и вовсе не связаны с главным сюжетом и вполне могли бы быть вычеркнуты из фильма. Но именно благодаря наличию таких небольших зарисовок, фильм становится самобытным и оригинальным, особенно среди других картин этого жанра.
Что стоит посмотреть: “Человек-слон”, “Криминальное чтиво”, “Вне закона”.
Голливуд, «Ленфильм» и «Мосфильм»: развитие кино как индустрии
До 1910-х Голливуд был поселком в пригороде Лос-Анджелеса. В 1911 году компания «Кентавр» из Нью-Джерси арендовала заброшенную придорожную закусочную, которую обустроили под киностудию и дали название «Студия Нестор». Это здание впоследствии стало «Кинолабораторией Голливуда».
Через три года – в 1914-м – тут был снят полнометражный художественный фильм «Муж индианки». Создателями выступили Сесил Б. ДеМилль и Оскар Апфель. Голливуд стал набирать обороты как центр кинопроизводства. В 1958 году появилась знаменитая Аллея Славы.
В СССР кинематограф развивался своим путем. Одной из старейших советских киностудий считается «Ленфильм» – в 1914 году она возникла как Военно-кинематографический отдел Скобелевского комитета (благотворительное учреждение для выдачи пособий больным и раненым воинам).
В 1923 году объединились два ведущих киноателье – Ханжонкова и Ермольева. В 1924-м вышел их первый совместный фильм – «На крыльях ввысь» Бориса Михина. Это считается началом работы киностудии «Мосфильм».
Как целая индустрия кино начинает развиваться в 1920-х. Тогда появляются и первые продюсеры (а не только режиссеры). В это время успехом пользуются комедии – в том числе немые фильмы с Чарли Чаплином в главной роли. В Европе экспериментируют с жанрами – немецкий экспрессионизм и французский авангард. В Германии снимают фантастический «Метрополис» и хоррор-триллер «Кабинет доктора Калигари», а во Франции ужастик «Андалузский пес» и биографическую драму «Страсти Жанны Д’Арк».
Воздействие на стиль
Жанр ужасов, возможно, не стал бы крупным игроком в индустрии кино, если бы не влияние Немецкого Экспрессионизма. На самом деле, один из самых известных режиссеров фильмов ужасов, Альфред Хичкок, вероятно, не создал бы свои самые известные шедевры, если бы не движение немецкого экспрессионизма. Такие фильмы, как “Психо” и “Я исповедуюсь”, демонстрируют сильное влияние немецкого экспрессионизма, это очевидно по тому, как фильмы преподносились. Сильный контраст и жуткие теневые фигуры напоминают странные формы и искаженные декорации старых немецких фильмов.
Экспрессионизм стал вдохновением не только для классических фильмов ужасов, но и для других жанров, таких как фильм нуар (чёрный фильм), а также триллеров и других фильмов фантастической тематики. Например, на сегодняшний день, готические фильмы Тима Бёртона вдохновлены немецким экспрессионизмом, поскольку в фильмах «Возвращение Бэтмена» и «Сонная Лощина» присутствуют искаженные формы, которые присутствовали в фильмах немецкого экспрессионизма.
Возникновение кино
Появление кинематографа совпало с развитием фотоискусства и фототехники. В конце XIX века были изобретены несколько устройств, вследствие чего стало возможным фиксировать на пленку не одно статичное изображение, а сразу несколько. Более того, специально для подобного формата сьемки были созданы проекторы, на которых было возможно запустить отснятые кадры с необходимой скоростью, что давало возможность смотреть практически «ожившие картинки». Эта техника была изобретена Этьеном-Жюлем Маре и Луи Лепренсом во Франции, а также Морисом Эвансом в Англии. Но у этих изобретений была одна существенная проблема: их технические возможности не позволяли устроить массовый просмотр. Однако эволюция не стояла на месте, и первые предпосылки для развития кинематографа как искусства для масс возникли уже в 1889 году. В этот год Джордж Истмен, владелец и основатель компании Kodak, начал серийный выпуск фотоматериалов на основе нитроцеллюлозы.
Нелишним будет упомянуть о вкладе великого Томаса Эдисона, изобретателя телефона и открывшего миру доступное электричество. Совместно с Генрихом Уилексом в 1884 году Эдисон создает аппарат под название «кинетоскоп». Эта техника позволяла смотреть на движущийся ряд изображений, и по техническим параметрам была приближена к периоду немого кино. Кстати, братья Люмьер многое взяли за основу у «кинетоскопа», при создании своего «синематографа», начиная с ширины пленки (33 мм) и заканчивая скоростью показа, которая приближена к современным стандартам (24 кадра в секунду).
Важно!
Удивительно, но в 90-х годах XIX века с разницей в один-два года были изобретены такие устройства, как «аниматограф» Р. Пола, «паноптиком» У. Латама. Конечно, этим аппаратам по популярности было далеко до изобретения братьев Люмьер, но это были первые шаги в кинематографе.
Классическое голливудское кино
Принимая во внимание последствия первой Мировой Войны (Великой Войны, как ее называют), обрушившейся на Европу, было неудивительно, что американское кино доминировало с 1910-х вплоть до 1960-х годов. Изначально движение началось с Восточного побережья, однако создание MPPC (Motion Pictures Patents Company) затруднило выживание других компаний, в особенности маленьких и независимых, например IMP (Independent Motion Pictures, которая впоследствии станет частью Universal pictures) и Famous Players (которая позже станет частью корпорации MGM)
Поэтому чем дальше компании находились от MPPC, тем более успешными они были. Так продолжалось до того времени, когда спрос на фильмы резко начал расти.
«Звездные войны»
1977
Главные герои на «Соколе Тысячелетия»
Джордж Лукас не был первым, кто додумался использовать спецэффекты, строить уменьшенные копии кораблей, выдавая их за гигантские оригиналы, и вообще не он проложил кино путь в космос (если задуматься, это сделал Жорж Мельес в короткометражке «Полет на Луну» в 1902 году). Однако именно Лукас смог создать такой по-человечески простой и невероятно сложный технически космическо-приключенческий блокбастер, который захватил умы миллионов людей на планете и повернул кинематограф на путь зрелищных и кассово успешных франшиз. В чем секрет Лукаса? Отчасти в том, что он шагнул еще дальше Стэнли Кубрика с его картиной «2001 год: Космическая одиссея», позволив людям преспокойно жить в далекой-далекой галактике и даже подрабатывать контрабандой, при этом традиционно спасая принцесс. Отчасти в том, что он не старался наполнить свой фильм вневременной философией, просто дав зрителям возможность изучать фантастический мир и делать свои выводы. Отчасти, конечно, в поднятых на новый уровень спецэффектах, которые он создавал на базе собственной компании ILM. Но как, как он до этого догадался? Ведь мог бы снять вестерн? И почему он пренепременно начал свою сагу с середины истории Люка Скайуокера? Не иначе, здесь вмешалась та самая Сила.
Братья Люмьер
В 1895 году братья Люмьер изобрели и запатентовали синематограф — лёгкий кинопроектор. В отличие от аппарата Эдисона, он был достаточно удобен для съёмки на открытом воздухе. С его помощью братья сняли более 1 тыс. короткометражных фильмов, большинство из которых изображали сцены из повседневной жизни.
В декабре 1895 года в подвальном помещении Гранд-кафе на Парижской улице Рю де Капюшен состоялся первый в мире коммерческий кинопоказ под названием «Рабочие, покидающие фабрику Люмьера».
Луи Жан Люмьер утверждал, что кино — «изобретение без будущего». Информация об этом показе разлетелась по всей Европе. Спрос на него рос настолько быстрыми темпами, что вскоре представители компании начали разъезжать по миру, демонстрируя получасовые фильмы.
К концу XIX века, когда общественное волнение по поводу новизны движущегося изображения постепенно угасло, кинематографисты начали, экспериментировать со спецэффектами, которые производили на экране магические преобразования: цветы превращались в женщин, люди исчезали с клубами дыма.
Если раньше режиссёры создавали только сцены, которые длились минуту или меньше, американец Мелиес начал объединять эти короткометражные фильмы вместе, чтобы создавать истории. Его «Путешествие на Луну» из 30 сцен (1902), основанное на романе Жюля Верна, возможно, являлся самым популярным фильмом того времени.
Появление цветного кино
Для внедрения цвета в фильмы потребовалось намного больше времени, чем на производство звука. В 1930-х гг создали технологию, позволяющую снимать цветное кино. Одним из первых коммерчески успешных цветных фильмов стал “Унесенные ветром”. Но цвет окончательно вошел в кинематограф лишь в 60-70 гг, когда существенно улучшилось качество изображения.
Послевоенный кризис заметно усложнил процесс производства новых фильмов. В истории российского кино этот период был тяжелым. В СССР активные съемки начались только после “оттепели”. Именно в эти времена отечественные режиссеры начинают снимать интересное кино, приглашать молодых и перспективных актеров.
Если в Западной Европе и СССР упор делали на психологическую выразительность фильмов, то в Америке пошли по другому пути — усиливали зрелищность картин. Американское кино состояло из историй о смелых и бравых ребятах, готовых спасти человечество любой ценой.
Сюжеты фильмов становятся все более изощренными и оригинальными. Например, ярким представителем кинематографа конца 60-х гг стал Стэнли Кубрик со своим фильмом “2001: Космическая одиссея”. В фильме был продемонстрирован полет через пространство и время, который до сих пор считается культовым и прорывным для своего времени. А Пьер Годар в своем фильме “Безумный” и вовсе снял отдельные кадры в одном цвете — красном, желтом и синем. Это так называемая демонстрация зрителям возможностей цвета и возвращение к фильмам начала века.
Что стоит посмотреть: “Унесённые ветром”, “Бекки Шарп”.
Кинематограф СССР
После прихода к власти коммунистов было объявлено о национализации кинематографа. Большинство картин, снятых в период становления СССР, были сугубо пропагандистскими, прославлявшими действующую власть и романтизирующими деятельность рабочих, колхозников и прочих трудящихся. Жанрового разнообразия не было как такового. Однако даже в таких сложных условиях находились режиссеры, которые превращали свои фильмы в авторские полотна. Одним из такх режиссеров был Сергей Эйзенштейн, снявший важнейший фильм периода становления кинематографа «Броненосец Потемкин». Отметился и Дзига Вертов, снявший «Человек с киноаппаратом».
В истории СССР всего две художественных киноленты стали лауреатами престижной премии «Оскар»: «Война и мир» Сергея Бондарчука и «Москва слезам не верит» Владимира Меньшова. в 1943 году престижную статуэтку за лучший документальный фильм получил «Разгром немецких войск под Москвой». Обладатель «Золотой пальмовой ветви» в истории СССР всего один – «Летят журавли» Михаила Калатозова.
Лучшие советские фильмы по версии сайта «Кинопоиск»:
- «Иван Васильевич меняет профессию», 1973 год, режиссер Леонид Гайдай;
- «Операция Ы и другие приключения Шурика», 1965 год, режиссер Леонид Гайдай;
- «Бриллиантовая рука», 1968 год, режиссер Леонид Гайдай;
- «В бой идут одни старики», 1973 год, режиссер Леонид Быков.
У каждой страны, входящей в состав СССР, была своя национальная киностудия, на регулярной основе производящая фильмы. В Грузии – «Грузия-фильм», в Азербайджане — «Азербайджанфильм». Известный режиссер Юлий Гусман начинал свою кинокарьеру в павильонах «Азербайджанфильма», сняв прошедший по СССР с большим успехом культовый «Не бойся, я с тобой». После распада СССР все эти студии были приватизированы частными лицами. Стоит отметить, что у нашей страны очень богатая история кино, особенно в период постсоветского производства.
Наше время
В начале 1990-х гг начинают появляться фильмы, операторские приемы которых заимствованы из музыкальных клипов того времени. К концу 90-х популярными становятся фильмы, выполненные в клиповой стилистике. Ярким примером служат фильмы Гая Ричи “Карты, деньги, два ствола” и “Большой куш”.
Свобода 90-х сильно повлияла на фильмы тех лет. В съемках активно стали использовать движение камеры. Режиссёры не боялись экспериментировать и с кадром, применяя для многих сцен широкоугольный объектив
Особое внимание стали уделять цветовой коррекции кадра и монтажу
Возможности длинного кадра позволили режиссерам увеличить динамичность своих картин. Если пленочная камера позволяла снимать кадры длительностью не более 10 минут, то современная цифровая камера не имела ограничений на длину плана. Это и способствовало появлению фильмов, снятых одним кадром. Примером служит фильм “Таймкод” режиссера Майка Фиггиса, состоявший из 4 непрерывных кадров, действие которых происходит одновременно.
В фильмах стали активно использовать современные компьютерные технологии, а обработка изображения позволяла добиться максимальной насыщенности кадра. Мир увидел много молодых и талантливых режиссеров, не боящихся экспериментов. Компьютерную графику начали использовать даже там, где это необязательно. Самым передовым и прорывным фильмом, который продемонстрировал возможности компьютерной графики, стал фильм “Матрица”. Именно впечатляющие спецэффекты обеспечили фильму такой успех.
На сегодняшний день спецэффекты придают фильму зрелищность и реалистичность. Но многие режиссеры не признают бездумное использование подобных технологий. Среди них яркой фигурой является Кристофер Нолан, готовый потратить невероятные деньги, но снять нужную ему сцену без использования компьютерных технологий. Так, сцена с движущейся комнатой в фильме “Начало” была снята без спецэффектов. А на съемки сцены, где грузовик падает с моста, ушло несколько месяцев. Каждые 5 секунд съемок отнимали сутки работы. Нолан хотел обойтись без спецэффектов и все сцены были сняты на специальную высокоскоростную камеру.
Современный кинематограф, который мы знаем сегодня, многогранен и интересен. Многие режиссеры стремятся воссоздать эстетику прошлого (“Артист”, 2011), а некоторые представители киноиндустрии создают свой собственный неповторимый стиль (Уэс Андерсон, Вуди Аллен, Гай Ричи, Квентин Тарантино). Нам остается лишь наблюдать за дальнейшим развитием кинематографа и наслаждаться магией кино!
Что стоит посмотреть: “Артист”, “Начало”, “Миллионер из трущоб”, “Отель Гранд Будапешт”.
«300 спартанцев»
Пеплум 1962 года, снятый Рудольфом Мате, считается одним из лучших фильмов о Древней Греции. Картина популяризировала историю Фермопильского сражения 480 г. до н. э.
Главная тема фильма — противостояние «свободных» греков и «варварских» персов. По сюжету, царь Ксеркс привёл миллионную армию, чтобы завоевать Грецию, и только небольшая группа спартанцев с немногочисленными союзниками готова дать ему отпор. Самоотверженно обороняющие Фермопильское ущелье греки вынуждены отступить после предательства Эфиальта, показавшего врагам тайную тропу в обход ущелья. Спартанцы вместе с небольшим отрядом феспийцев остаются прикрывать отход соратников. Все они погибнут.
Персидское вооружение показано очень условно: гвардейцы одеты в чёрные костюмы и мало похожи на свои изображения из дворца Дария I в Сузах. Участие колесниц и кавалерии в битве также маловероятно. Не исключено, что персы имели лёгкую конницу.
Что до спартанцев, то большинство из них в фильме — безбородые мужчины (хотя реальные гоплиты были длинноволосыми и носили бороды) в однотипном вооружении с щитами гоплонами с греческой буквой «Л», что означает Лакедемон (самоназвание Спарты), и в красных плащах. При этом знаменитых коринфских шлемов, прикрывающих большую часть лица, мы почти не видим. Феспийцы, вероятно, чтобы зритель мог их отличить от спартанцев, носят синие плащи.
Леонид как царь Спарты не мог быть гладко выбрит. Да и лямбда на щитах, вероятно, появилась только в эпоху Пелопонесской войны (431−404 гг. до н. э.).
Кадр из фильма «300 спартанцев». (pinterest.com)
Подробности трёхдневного сражения также далеки от исторических реалий: отсутствует стена, которую греки построили у входа в Фермопильский проход; нападение на персидский лагерь и хитрые приёмы борьбы с кавалерией персов не находят подтверждения. Однако Диодор упоминает, что в финале сражения греки действительно пытаются напасть на персидский лагерь и убить Ксеркса.
Главный миф, созданный фильмом, касается количества участников сражения. Согласно греческим источникам, спартанцев в Фермопилах поддерживали не только феспийцы, но и воины многих греческих полисов. Общее число защитников прохода в первые дни превышало 7 тысяч человек.
Под впечатлением от фильма Мате Фрэнк Миллер создал графический роман «300», экранизированный в 2007 году. Картина, ещё более далёкая от исторических реалий, всё же стала очень популярной.
Зарождение голливудского кино
Первая стулия в Голливуде была создана в 1911 году. Уже через несколько лет их будут десятки, и большая часть коммерческих сеансов заполнится либо дешевыми хоррорами (например, про Доктора Калигари или Дракулу), либо гангстерскими фильмами (наподобие «Ревущие двадцатые» с Джеймсом Кэгни).
Студийные продюсеры моментально ухватывали запросы публики и поставили на поток производство недорогих, но коммерчески успешных фильмов. В 1930-е все производство поделили между собой восемь кинотрестов, которые создали достаточно четкую систему кинопроизводства. Фильмы делились на категории, в каждой из них были свои актеры и режиссеры. При этом некоторые категории считались «ширпотребом», поскольку создавались исключительно для заработка денег, а такие жанры, как драма, считались «высоким искусством».
Со временем голливудская система пришла в упадок, что привело к кризису кинопроизводства в 1950-е. Отчасти это произошло из-за «Кодекса Хейса», регламентирующего нравственные аспекты показанного на экране, отчасти – из-за нежелания студий реагировать не перемены в мире и общую закрытость Голливуда в те годы. Но история кинематографа на этом даже не замедляется.
Три самых важных фильма Золотой Эры Голливуда:
- «Волшебник из Страны Оз», 1939 год, режиссер Виктор Флеминг;
- «Гражданин Кейн», 1941 год, режиссер Орсон Уэллс;
- «Касабланка», 1942 год, режиссер Майкл Кертиц.
«Гражданин Кейн»
1941
Орсон Уэллс не только обновил законы создания фильма, но и стал начинателем независимого кинематографа
Фильм режиссера Орсона Уэллса, который регулярно попадает в списки самых значимых лент в истории кинематографа, возвестил о становлении независимого кинематографа, не завязанного на студиях и продюсерах с длинными руками. Пользуясь успехом своего радиоспектакля «Война миров» по роману Герберта Уэллса (который он, как известно, транслировал по радио в виде репортажей о нападении инопланетян, чем вызвал панику среди американцев), Уэллс быстро нашел 500 000 долларов бюджета для своей картины. При этом он умудрился договориться о том, что будет арендовать у студии Mercury Productions павильоны, декорации и костюмы, но студия будет по минимуму вмешиваться в его дела, хотя к тому времени у него не было существенного опыта в съемке фильмов, а только слава «горячей» головы. В итоге Орсон Уэллс раздвинул границы кинематографа, нарушил всевозможные правила съемок фильмов и написания сценария, став ориентиром и отчасти вдохновителем не только европейской «Новой волны», но также и Френсиса Форда Копполы, Мартина Скорсезе, Квентина Тарантино и многих других кинематографистов.
Неореализм 40-х
Итальяский неореализм — это одно из важнейших направлений послевоенного мирового кинематографа, которое сформировалось в Италии в середине 1940-х годов. Но почему это направление появилось именно в это время? И что особенного привнесли в кинематограф режиссеры неореализма?
Это направление держится на трех китах — трех режиссёрах, которым удалось перевернуть мировой кинематограф. Лукино Висконти («Одержимость» (1943)), Витторио де Сика («Шуша» (1946)) и Роберто Росселлини («Рим — открытый город» (1946)). Их новаторства были следующими : съёмка на улицах города, использование документальной стилистики, работа с непрофессиональными актёрами, новое отношение к внутреннему темпу картины. Они сложились отчасти как результат производственных трудностей, отчасти как сознательная реакция на застарелые приёмы павильонных мелодрам фашистского кино.
Тихий кинотеатр
«Эра безмолвия» или «безмолвное кино» — это термины, используемые для обозначения кинопродукции без диалогов, хотя они не были полностью безмолвными. Хотя это правда, что не было никакой синхронизации аудио и видео, были также использованы другие ресурсы, такие как живая музыка, которая воспроизводилась во время показа фильма..
https://youtube.com/watch?v=HZrsuEWw9m8
Период немого кино начался с создания кинематографа братьев Люмьер с историей рабочих, покидающих фабрику в Лионе.
Однако есть те, кто защищает тезис о том, что первый фильм не о братьях Люмьер, а о другом французе, Луи ле Принсе, который снимался бы в Лидсе, Англия. Садовая сцена Раундхая.
Этот 1,6-секундный фильм, снятый 14 октября 1888 года, будет самым старым, но он был потерян в поезде, и изобретатель не смог доказать свою работу.
Есть даже источники, которые утверждают, что он также назвал свое изобретение «кинематографом», и, не имея возможности оплатить патентные права, братья Люмьер остались с именем.
апогей
Безмолвный кинотеатр пережил свой апогей в течение десятилетия 20-х годов. Отсутствие звука уступило место плакатам, вкрапленным в изображения, которыми руководствовался зритель..
Другим ресурсом были субтитры и письменные диалоги, которые были разработаны так называемыми «авторами названий». Эти специалисты стали иметь большое значение, так как они были своего рода сценаристами.
Одной из характеристик немого кино было неестественное движение персонажей; однако это является следствием того факта, что запись была сделана с помощью рулонов 35-мм пленки. В этом формате было мало кадров, от 16 до 20 в секунду, поэтому движение выглядело спазматическим.
В начале 20-го века, в течение первого десятилетия, кино стало восприниматься как серьезное шоу, после его сенсационного начала, которое представляло его как акт справедливого и очень популярного.
Меняющиеся 80-е
Секс, ложь и видео
Джон считал свою жизнь вполне благополучной. Он был на хорошем счету в своей юридической фирме, имел красавицу жену Энн и любовницу Синтию, которая приходилась Энн младшей сестрой. Эту идиллию напрочь разрушил приезд его университетского товарища Грэма, показавшегося Энн и Джону немного странным. Оказавшись в баре с Энн, Грэм признался ей, что в настоящее время является импотентом. Навестив Грэма, Энн обнаружила у него серию видеокассет, каждая из которых называлась женским именем. Проявив настойчивость, Энн узнала, что каждая кассета содержит сексуальную исповедь женщины. А ещё она узнала, что так Грэм получает сексуальное удовлетворение.
Кинематограф 1980-х можно охарактеризовать, отталкиваясь от трех слов из названия фильма Содерберга: секс, ложь и видео.
Секс. В 1980-е сошла на нет сексуальная революция 1960-1970-х. Это нашло свое отражение в кино: в нем практически исчез секс. На большом экране перестали показывать порнографические фильмы, как это было в 1970-е, — в так называемое время «порношика».
Ложь. В 1970-е снималось множество острых, злых, политических фильмов. Кинематограф 1980-х, напротив, стал равнодушен к реальности: с экранов исчезли художественные фильмы, рассказывающие про главные события современности. Вместе с тем, именно в 1980-е произошел расцвет документального кино: «Без солнца» Криса Маркера и «Шоа» Клода Ланцмана — общепризнанные вершины жанра.
Видео. В 1980-е произошел расцвет видеомагнитофонов и VHS-кассет. Для киноиндустрии видеоформат стал «деловым партнером» — благодаря ему удалось существенно увеличить доходы. Отныне фильмы выходили в прокат дважды: сначала на широком экране, потом — на видеокассете.
Но и сами фильмы должны были существенно измениться:
Размер кинокадра пришлось адаптировать под разрешение телевизора. Студии практически перестали снимать широкоэкранные фильмы.
Кино стало камерным, предназначенным для уютного домашнего просмотра. С экранов исчезли эпические фильмы, поскольку их производство потеряло всякий смысл: на телеэкране пропадали их главные достоинства.
В конце восьмидесятых главный европейский приз в Каннах и приличную кассу неожиданно взял независимый фильм Стивена Содерберга «Секс, ложь и видео». Но что же значит «независимый фильм»?
Строго говоря, независимое кино — это кино, произведённое вне крупных студий. В подобных условиях низкие бюджеты и производственные сложности часто компенсируются большей творческой свободой.
Появление звука
Еще до начала 20 века Томас Эдисон работал над синхронизацией «кинетоскопа» с фонографом, однако все попытки сделать это оказались тщетными. Но его работа не была проделана зря. В последствии Уильям Диксон (соавтор Томаса) утверждал, что ему уже в 1889 году удалось сделать кинетофонограф – прибор, благодаря которому может воспроизводиться звук и изображение одновременно. Однако на сегодняшний день не существует доказательств, которые бы подтвердили его слова.
Вообще, в ранний период кинематографа было совершено множество попыток воссоздать звуковое кино. Ученые и профессора со всего мира работали над данной задумкой, однако все сталкивались с двумя главными проблемами: невозможность в синхронизации изображения и звука и слабая громкость последнего. Несмотря на это первая проблема была решена путем записи и изображения и звука на один и тот же носитель, но вот для решения второй проблемы требовалось создание усилителя низкой чистоты. Произошло это спустя более 20 лет — в 1912 году, когда киноязык был развит настолько, что отсутствие звука начинало восприниматься как серьезный недостаток.
Несмотря на то, что патент на систему звукового кинематографа (которая в результате совершила звуковой «бум») был получен в 1919 году, кинокомпании даже не собирались использовать его и давать кино «заговорить». Такие регрессивные действия совершались лишь для того, чтобы избежать удорожания стоимости проката и производства фильмов. Но «прорыв» все же произошел — 17 сентября в Берлине мир увидел первый фильм, имеющий звук.
В 1925 году известная на сегодня компания Warner Brothers, которая в тот момент находилась на грани полного банкротства решила пойти в «all in» и вложилась в рискованный звуковой проект. Именно это и позволило компании выпустить в 1926 году несколько звуковых фильмов, состоящих в основном из музыкальных сценок, но особым спросом они не пользовались. Удачным стал лишь фильм «Певец джаза», в котором присутствовали музыкальные номера Эла Джонсона, а также его реплики. Как результат, 6 октября 1927 года (день премьеры данного фильма) стало принято считать днем рождения звукового кино.
