Отказ от выбора как способ вернуться в рай: почему энди уорхол всегда рисовал одну и ту же картину

Homo Universale

Философия универсального человека, или «homo universale», вертелась за всем этим творческим великолепием. Это не мужчина, не женщина, не вещь, не явление, но всегда нечто большее. Таким образом он репродуцировал своё восприятие гештальта. Характерно, что на одной из выставок, в качестве экспоната, он представлял самого себя. И это не следует рассматривать в качестве чудачества. Он на самом деле не имел понимания чётких человеческих границ личности, мог относиться к себе в качестве предмета, даже делать из этого тип поведения.

Он был гомосексуалистом, который никогда этого не скрывал, но это вовсе не означает, что ему был нужен именно секс с мужчинами. Скорее — он стремился к обмену энергией и вполне допускал платоническую привязанность. Так, он водил дружбу с уличным художником Жаном-Мишелем Баския, но невозможно сказать однозначно, что они были «сладкой парочкой». Энди Уорхол и Баския даже организовали совместную выставку, которая хоть и была воспринята в штыки критиками, но многое значила для Баския. Но это ни о чём не говорит, поскольку истые любовники Уорхола всем известны, но Баския включить в эту среду трудно. Границы личности Уорхол стирал вместе с Джоном Джорно, Билли Неймом,  Джедом Джонсоном, Джоном Гулдом и Китом Харингом. Хотя последнее — не точно, не исключено, что и отношения Кита и Энди были более платоническими, хотя сам Кит никогда не скрывал, что является гомосексуалистом.

О родителях будущего художника

Талантливая личность, известная сегодня всему миру, появилась на свет 6 августа 1928 года в Питтсбурге (Пенсильвания), в многодетной семье иммигрантов, которые переехали в Америку из Восточной Европы. Уорхол Энди, а настоящее его имя — Андрей Вархола, был самым младшим, четвертым ребенком. У него было два старших брата и сестра, которая умерла ещё до того, как родители переехали в США. Наиболее достоверные данные указывают на то, что родина семьи Уорхола — Словакия. Хотя своим этого неординарного художника считают три страны – кроме Словакии это США и Украина. Но безошибочно ясно одно – его наследие принадлежит всему миру, а не отдельной стране. Родители Энди Уорхола не имели никакого отношения к искусству. Отец был работником угольной шахты, мама, не зная английского, вынуждена была подрабатывать уборкой, а ещё продажей собственноручно сделанных цветов из бумаги.

Биография Энди Уорхола

Энди Уорхол появился на свет 6 августа 1928 г. в американском Питтсбурге (штат Пенсильвания). Он рос в простой семье словацких иммигрантов.

Его отец, Андрей, добывал уголь в шахте, а мать, Юлия, работала уборщицей. У своих родителей Энди был четвертым ребенком.

Детство и юность

Энди Уорхол воспитывался в набожной семье, члены которой были греко-католиками. С ранних лет мальчик почти каждый день посещал храм, где молился Богу.

Энди Уорхол в детстве

Когда Энди учился в третьем классе он заболел хореей Сиденгама, при которой у человека происходят непроизвольные сокращения мышц. В итоге, из веселого и озорного ребенка он вмиг превратился в мученика, на долгие годы прикованного к постели.

Из-за состояния здоровья Уорхол практически не мог посещать школу, став настоящим изгоем в классе. Это привело к тому, что он превратился в очень ранимого и впечатлительного мальчика. Кроме этого, у него развился панический страх при виде больниц и медиков, который у него остался до конца жизни.

В те годы биографии, когда Энди был вынужден лежать в кровати, он увлекся изобразительным искусством. Он вырезал из газет фотографии известных артистов, после чего составлял коллажи. По его словам, именно это увлечение вызвало у него интерес к искусству и выработало художественный вкус.

Когда Уорхол был еще подростком он лишился отца, который трагически погиб в шахте. Получив аттестат он поступил в Технологический институт Карнеги, решив связать свою жизнь с работой иллюстратора.

Создание собственной фабрики

В 1963 году Энди Уорхол вместе со своим друзьями решает создать свою собственную студию или мастерскую. Для этого он приобретает заброшенное старое здание в самом центре Нью-Йорка, оно и станет его творческой студией. Энди придумывает ей простое незатейливое название Factory. Это был в своем роде плацдарм, на котором известный мастер создавал и представлял свои работы. Уорхол Энди нанимает команду молодых творческих людей-художников. Их задание — пускать на поток произведения признанного мэтра. Фабрика стала настоящим коммерческим предприятием, в день в ней производилось около 80 шелкографий, а за год это число составляло тысячи работ. Наладив работу по массовому производству, Энди Уорхол картины и портреты знаменитостей сделал символом поп-арта и художественной культуры Америки ХХ века, но чисто коммерческим. Эта студия действовала более двадцати лет, и её считали самым безумным местом на земле. Там царила вседозволенность, где не только рисовали, снимали фильмы, выпускали массовые шелкографии, но и жила, устраивала вечеринки его творческая команда.

Восполнение нехватки личностных качеств как основа творческого процесса

Загадка того, что представляют собой картины Энди Уорхола основана на типе патологии его личности. Психопатия расстройство дефицитарное: всегда не хватает чего-то — чувств, сопереживания, самоидентификации, что человек стремится восполнить. Он очень много написал про это, ведь его тянуло и к писательской деятельности, он даже организовал журнальчик «Интервью», на страницах которого публиковались интервью, что звёзды брали друг у друга.

Однажды он увидел девушку с нарушением пигментации

Она привлекла внимание, он даже пошёл за ней. А спустя всего дней десять — у него начались проблемы пигментации кожи, волос, глаз

Отсюда и легендарный серебряный цвет волос. С медицинской точки зрения — это расстройство из области психосоматических. Он потом спрашивал, по его же словам, у знакомого студента медика, а можно заразиться расстройством пигментации визуально, просто посмотрев на другого больного. Неизвестно, что сказал ему студент. Можно, если речь идёт о человеке с особым укладом личности. Он, словно губка, впитывает в себя образ, у него огромное вместилище вещей в сознании, их он и стремится тиражировать.

Предпосылки

9 июля 1962 года на небольшой персональной выставке Энди Уорхол представил картину, на которой в качестве объекта запечатлел обыденный предмет — банку супа «Кэмпбелл», которая прежде никогда не удостаивалась внимания живописцев. Художник нарисовал 32 почти одинаковые банки — именно столько разновидностей супа было на рынке.

«Банки с супом „Кэмпбелл“». Фото: Luke W. Choi / Shutterstock

Изображение супа «Кэмпбелл» — быстрой и дешёвой американской еды — стало квинтэссенцией идеи поп-арта. Критики были возмущены: где искусство и работа автора? Банки, да ещё и отпечатанные полумеханическим способом, казались издёвкой над самой идеей творчества.

Когда Уорхол создавал свою банку, его друг и соратник по цеху поп-артист Рой Лихтенштейн тоже искал индивидуальный художественный приём. Он придумал изображать женские лица и фигурки мультипликационных героев в упрощённом стиле комиксов. Это, несомненно, повлияло на следующее открытие Уорхола.

Andy Warhol

 

Американский художник Энди Уорхол (1928 — 1987) был одним из основоположников художественного стиля поп-арта.

Поп-арт пришел на смену доминирующему в 50-ые годы в американском искусстве абстрактному экспрессионизму. На новое художественное течение нью-йоркское художественное сообщество отреагиро­вало крайне возбужденно. Абстрактный экспрессионизм в одночасье безнадежно устарел. Поп-арт правил бал, и ни один поп-художник не был так знаменит, как Энди Уорхол. Теперь он появлялся в обществе в сопровождении эскорта красивых женщин и геев. Что­бы его имя не исчезало с газетных страниц, он нанимал журналистов, которые подбрасывали материал в колонки со светскими сплетнями. Энди Уорхол занялся и своей внешно­стью. Он лысел и стал носить парики, сначала естествен­ного светлого оттенка, под цвет собственных волос, потом серебристо-седые. Он надел очки в массивной оправе, которые подчеркивали его сходство с совой, и свел свой гардероб исключительно к черным джинсам, черным во­долазкам и черным кожаным пиджакам или курткам.

 Конечно, не Уорхол первым додумался до идеи худож­ника как знаменитости, но если Пикассо, Дали и Поллок были прежде всего художниками, а уж потом знаменито­стями, то для Уорхола слава была так же важна, как и ис­кусство. Энди Уорхол не был доволен участью безвестного создате­ля шедевров. Каждый его шаг был тщательно спланирован с целью подвести его еще ближе к сверкающей лучами славе, о которой он так мечтал. Уорхол странным образом предвидел нынешний культ знаменитостей в Америке.

 Он хотел, чтобы миллионы людей знали его имя и папарацци следовали за ним по пя­там. Никто так не понимал природу славы, как Энди Уорхол. Никто не изучал ее столь усердно и не культивировал свою извест­ность столь тщательно. И никто не умел создавать себе сла­ву так успешно. Будучи прирожденным творцом, потребите­лем и знатоком природы известности, Уорхол подправлял и полировал именной бренд «Энди Уорхол» до тех пор, пока, где бы ни появился этот художник в серебристом парике, все немедленно его узнавали. Энди Уорхол стал культовой персоной в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом.

Tags:

• andy warhol
• абстрактный экспрессионизм
• американский художник
• культ знаменитостей
• культивировать извест­ность
• парики уорхола
• слава художника
• художник знаменитость
• энди уорхол

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

< Предыдущая		Следующая >

Детские годы Энди Уорхола

Будучи ещё совсем маленьким, Энди начал часто болеть. С 4 до 8 лет он перенес не одно тяжелое заболевание, среди них самым страшным была болезнь хорея Сиденгама, или «танец святого Витта». Мальчик страдал от приступов и был буквально прикован к кровати. В школе он становится изгоем. Также ребёнок стал слишком мнительным, начал бояться больниц и врачей. Этот страх не отпускал его до самой смерти. В это нелёгкое время Уорхол Энди играл с вырезанными куклами, слушал радио. Мать тогда рисовала сыну разные картинки, постепенно он и сам начинает рисовать всевозможные предметы, окружающие его, а также составлять коллажи из старых газет. Так ещё в раннем детстве у Энди появился первый интерес, а потом и любовь к рисованию. Несколько позже мама Уорхола, заработав немного денег, приобретает сыну небольшой кинопроектор, через который он смотрел рассказы в картинках на стене комнаты. Таким образом, в детстве начинает постепенно развиваться творческий потенциал будущего художника. Когда Энди исполнилось 9 лет, он начинает посещать курсы художественного мастерства, которые велись бесплатно. В 13-летнем возрасте мальчик теряет отца, тот погибает на шахте.

Основы жизни Энди Уорхола

Биография Энди неразрывна с тремя явлениями:

• поп-арт как направление в искусстве;
• концепцией массового производства, когда картины делаются сериями. Вершиной практического осуществления стала мастерская «Фабрика»;
• философией универсального человека.

Поп-арт, родоначальником которого он считается, в понимании Энди — это выражение сиюминутных чувств, которые вызывает всё — люди, суп в банках, гоночные машины. Назвать его прославлением упаковки — ничего не понять в том, кто такой художник и что такое его странная живопись.

Массовое производство чего-то в искусстве — это вовсе не тираж с потерей качества. Вспомним гравюры, которые тоже тиражируются. Просто Энди запал на чисто детскую идею шелкографии, которая в его воображении связалась с фото. По типу характера он представляет собой хитрый комплекс шизоида, истероида и уклоняющейся личности. От шизоида в нём основное свойство — умение каждый раз придумать мир заново. Поэтому он придумал технику под себя. Ни один фотограф не скажет, что Энди Уорхол фотографии делал какие-то художественные. Он специально выбрал самое массовое, предназначенное для чайников — фотоаппарат Полароид, в те времена — самых первых модификаций. Снимки переносились на нейлоновую сетку с помощью контактного засвечивания. Таким образом создавалась матрица, а на её основе производился небольшой тираж произведений особого искусства.

Пока, Диор. Привет, массмаркет!

Энди Уорхол был не только художником, но и дизайнером. Кстати, у него неплохо получалось. Так как нью-йоркские девушки обычно меняли наряды по несколько раз за день, Уорхол разработал модель удобного бумажного платья, которое способно поместиться в небольшой сумочке. Необычность платьев заключалась в том, что выпускались они белыми, и с помощью красок можно было создать собственный дизайн.

Придуманное Уорхолом платье не было оригинально скроено. Такой фасон прошёл через все 1960-е, заявив о победе мини над пышными юбками от Кристиана Диора. Одежда стала более демократичной, сексуальной и инфантильной. Дорогим нарядам от кутюрье стали предпочитать одежду массового производства, в повседневный женский гардероб вошли брюки. В эти годы изменился идеал женской красоты: образ зрелой женщины с большой грудью был вытеснен юностью и худобой, и лицом эпохи стала Твигги. Именно в это десятилетие сложился невероятный культ молодости, и искусство поп-арта ориентируется на любовь молодежи к яркому, вызывающему, свободному и приносящему удовольствие.

Энди Уорхол. СУПерплатье. 1966—1967 гг. Частная коллекция

Узнать больше не только о произведениях поп-арта, но и о других направлениях в искусстве XX века поможет книга «Искусство XX века».

Диптих Мэрилин (1962)

Смерть Мэрилин Монро сразила Энди Уорхола. Диптих был создан практически сразу после внезапной смерти актрисы. На каждом полотне диптиха изображено пятьдесят одинаковых изображений Мэрилин, за основу которых был взят кадр со съёмок фильма «Ниагара». Один диптих состоит из цветных портретов, второй — из тающих и исчезающих чёрно-белых портретов, как символа смерти и исчезновения из бытия прекрасного образа. Техника исполнения работы — шелкография, изобретение автора. Диптих «Мэрилин» стал культовым. Он был продан за 80 миллионов долларов и сейчас находится в британской галерее Tate.

2

Мир большого художника

Колберт стал заниматься живописью всего три года назад, и хотя он все еще делает одежду, мебель и модные предметы искусства, его полотна уже имеют почерк сложившегося мастера.

Премьера

картин состоялась в «Саатчи», а это уже пропуск в мир высокого арт-маркетинга, где на «прилавки» смотрят сильные мира сего — члены королевской семьи и звезды вроде Элтона Джона. За относительно короткую карьеру он сотрудничал с Ритой Ора, которая поручила Колберту разрабатывать костюмы для ее мирового турне, с компаниями Disney, Rolex, Smart Car, Comme Des Garçons; он продавал работы в одном из самых дорогих дизайн-сторов Dover Street Market и в парижском бутике Colette.

Явление

«Скарлетт О’Хара — шлюха, а я нет»: 80 лет фильму, снятому по главному женскому роману планеты

Среди его фанатов Кара Делевинь, Анна Делло Руссо, Сиенна Миллер и Леди Гага, им успел восхититься Карл Лагерфельд. Даже Канье Уэст обращался к нему, раздумывая над покупкой его работ. Но все же Колберт оставался ремесленником, покуда не появились картины. Колберт — бренд сам по себе, и он этого не стесняется. Поэтому именно его самого можно увидеть на рекламном щите выставки или мероприятия с его участием, а вовсе не его работы.

Банан (1967)

Картина «Банан» стал одним из самых расхожих образов в мировой торговле. Ярко-жёлтый банан, с характерными изменениями на кожуре, словно был только что оторван от спелой банановой грозди. Этот образ можно встретить на майках, брелоках, чашках и других предметах быта. Его часто используют в своих работах фотографы и художники.

В 1967 году Уорхол продюсировал группу Velvet Underground, и решил им помочь в оформлении первого альбома. Группа пользовалась скандальной славой из-за своего репертуара. Поначалу банан был приклеен поверх ещё одного, очищенного и с явным намеком в сопроводительном тексте «Медленно сними кожуру и смотри». Этот скандальный символ стал самым узнаваемым не только среди музыкальных дисков. В этом весь Энди Уорхол. Из простого предмета он создал эпический символ, закрепив за ним особый подтекст.

7

Покушение

Летом 1968 г. феминистка по имени Валери Соланас, снявшаяся в одной из кинолент Уорхола, трижды выстрелила ему в живот. Затем девушка обратилась к полисмену, сообщив ему о своем преступлении.

После тяжелейших ранений короля поп-арта чудом удалось спасти. Он перенес клиническую смерть и сложную операцию, а последствия данной трагедии преследовали его до самой смерти.

Уорхол отказался подавать на феминистку в суд, по причине чего Валери получила всего 3 года тюрьмы, наряду с принудительным лечением в психбольнице. Энди был вынужден более года носить специальный корсет, поскольку все его внутренние органы были повреждены.

После этого у художника развился еще больший страх к врачам и медицинским учреждениям. Это отразилось не только на его психике, но и на творчестве. На своих полотнах он часто изображал электрические стулья, катастрофы, самоубийства и другие вещи.

Карьера в моде [ править ]

Кольбер основал лейбл Rodnik Band в 2008 году, лейбл « Диаграмма Венна », объединяющий моду, музыку и искусство. Группа «Родник» выступала в Нью-Йорке, Милане, Токио, Париже и Лондоне.

Знаменитые поклонники, в том числе Канье Уэст , Анна Делло Руссо , Карл Лагерфельд , Сиенна Миллер , Лили Коул , и Персик Гелдоф .

В 2009 году Кольбер создал платье писсуара, вдохновленное Марселем Дюшаном , как часть серии носимых произведений искусства. В июне того же года Кольбер взял интервью у философа Алена де Боттона для Style.com о роли моды в современном обществе.

В феврале 2010 года Колберт запустил коллекцию культовой одежды The Rodnik Band через Coin (универмаг) .

В течение 2013 года он сотрудничал с художницей- двойником Элисон Джексон, чтобы создать ряд громких сатирических трюков с участием знаковых двойников известных знаменитостей на Лондонской неделе моды, таких как королевская примерка с Кейт и Пиппой Миддлтон и выдающаяся знаменитость в первом ряду с участием королевы Элтона. Джон и Кэти Перри.

В 2013 году Рита Ора поручила Филипу Колберту создать серию нарядов для своего мирового турне. Среди нарядов были платье из швейцарского сыра с блестками, платья с принтом попкорна и двухэтажные автобусы Mac.

Также в 2013 году к Колберту обратились комиксы Peanuts с предложением создать совместное предприятие Rodnik x Peanuts.

Эта коллекция была представлена ​​в Лондоне в Selfridge с витриной и мероприятием в магазине с живым концертом Кейт Нэш , которая сама написала специальную песню Rodnik Snoopy.

Кара Делевинь сказала, что является поклонницей бренда и снялась в рекламном фильме Rodnik x Peanuts.

В 2014 году Кольбер запустил эксклюзивную коллекцию Rodnik x Belle (snoopy Sister) в магазине Colette в Париже, а также в рамках партизанского подиума на Неделе моды в Париже.

В 2016 году The Rodnik Band совместно с Disney создали Rodnik x Disney.

Стиль и произведения

Стиль Уорхола в искусстве — это его собственная концепция поп-арта и артхауса. В кино он делает тоже самое, что и в живописи. Он всегда стирает границы. Всем известна эта легендарная банка супа Кэмпбелл. Критикам очень трудно признать это, но Энди не имел никакого второго смысла, когда её изображал и преподносил зрителям. Он видит её в качестве куска от гештальта. В психологии — это нечто большее, чем сумма вещей. Если кто-то смотрит на кухонный стол, то видит не стол, скатерть и тарелки на нём, но ещё и своё отношение к пространству и времени. Стол может ассоциироваться с чем-то, что является источниками комфорта или дискомфорта. Энди не мудрит с такими конструкциями, а просто рисует банку супа, который ему на самом деле нравится. Кухню никто придумать не сможет, не успеет, психику ослепляет сама этикетка, сам образ банки. Это, кстати сказать, основная сила воздействия коммерческих упаковок. Они работают ещё до того, как человек начинает думать в качественных категориях.

Энди Уорхол работы свои любил, но более любил самого себя. Это совершенно не означает, что он был законченным эгоистом. Он помогал тем, кого считал достойным. Почему? Потому что универсальные люди многофункциональны. Так он их видел, в этом их отличие от всех остальных вещей. Люди — это более вещи, чем вещи, потому что они люди. Они имеют право использовать объекты живой и неживой природы так, как им нравится. Вот такая у него была философия. И это вовсе не призыв к вседозволенности. Ему самому насилие не нравилось, поэтому он считал насилие неестественным для людей и вещей. В общем — такой парень, которому нравятся джинсы, которому не нужно объяснять, что делать зло — это зло, потому что делать зло ему было бы слишком сложно. Это вызывает дискомфорт, а вещи и универсальные люди должны быть в порядке. Железная логика аутиста, и придраться к ней невозможно.

Публика создала много шума вокруг портретов известных личностей, образа Ленина на красном фоне, диптиха Мэрилин Монро, содержащего множество её портретов и созданного после смерти актрисы, картины «Пистолет», название которой вводит в заблуждение, потому что на ней изображён револьвер. С уверенностью можно сказать, что Энди таких тонкостей просто не отсекал. Для него было куда более важным то, что на картине изображёна копия оружия из которого некто Валери Соланас, писательница, сценаристка и радикальная феминистка, широко известная в крайне узком кругу до покушения и ставшая знаменитостью после него. Это произошло на «Фабрике», которая представляла собой художественную мастерскую, клуб, киностудию и иногда вертеп. Результатом покушения стало то, что он испытывал большие физические и нравственные страдания. Три пули угодили ему в живот, был ранен кто-то ещё из тех, кто постоянно ошивался на «Фабрике» по делу и без дела. Однако Энди не стал подавать иск на Валери. Её приговорили к трём годам и принудительному лечению в психиатрической клинике.

Из-за покушения здоровье было серьёзно подорвано, но непосредственной связи между ним и смертью не было. Выстрелы прозвучали в 1968 году, а смерть наступила в 1987 году, через 19 лет. В эти годы художник продолжал заниматься творчеством, в частности — ставил свои эксперименты с раскраской гоночного автомобиля, который представлял собой динамическое произведение искусства.

Смысл

Мэрилин Монро на картине переставала быть личностью, погибшей актрисой трагической судьбы — она превращалась в обезличенный рекламный штамп. Энди Уорхол показывал не человека, а символ массовой культуры, подобный банкам супа.

Своим произведением автор бросал вызов культуре модернизма. Раньше картина ценилась за мазки кистью, которые наносил художник, — Уорхол противопоставил этому бездушное штампование и тиражирование. Впоследствии для создания работ он стал применять метод шелкографии: изображение отпечатывалось с помощью трафарета на ткани. Кроме того, Уорхол делал большое количество копий своих произведений — это тоже был его метод.

Зебра (1983)

Картина «Зебра» входит в цикл шелкографий под названием «Вымирающие виды». Эту серию художнику заказали защитники животного мира. Существует альтернативное название этой серии — «Животные в гриме». Серия изображает 10 самых редких и исчезающих животных планеты: зебру Греви, орангутанга, амурского тигра, чёрного носорога и других животных.

Зритель видит перед собой развёрнутую голову зебры. Техника исполнения — шелкография. Тонкие красно-сине-желто-белые линии, переплетаясь создают изящный образ зебры

Картина очень динамичная, яркая и сразу привлекает к себе внимание. Можно часами рассматривать изящный узор переплетающихся линий

10

О личной жизни художника

Каким был на самом деле этот эксцентричный, нестандартный и даже странный Энди Уорхол? Творчество его отличалось смелостью, эпатажем, оно было андеграундным, трёхмерным, созданным, как киноплёнка. Этот имидж его как супер-звезды был открыт обществу, в отличие от личной жизни, которую Энди старался держать в тайне. Неудивительно, что его личность очень интересовала публику. Уорхол несколько десятилетий был в центре художественной нью-йоркской тусовки. Однако на самом деле Энди был великим эксцентриком, скромным, даже закрытым человеком, а к концу жизни даже глубоко верующим. Многие исследователи жизни и творчества художника считают его гомосексуалистом, находя подтверждения не только в его поведении, но даже в его творчестве: серия живописи и несколько фильмов. Уорхолу приписывают таких бойфрендов, как Джон Джорно, Билли Нейм, Джон Гулд, Джед Джонсон. Но у Энди Уорхола была ещё настоящая муза.

Это Эди Седжвик — модель, актриса, которая однажды попала к нему на «Фабрику» и полностью очаровала его. Ходили слухи, что у них роман. Они были как две половинки одного целого. Но Эди злоупотребляла наркотиками, из-за чего её жизнь и оборвалась в возрасте 28 лет. Сожалел ли об этом Энди Уорхол, личная жизнь которого была так тесно связана с этой королевой Манхэттена, неизвестно. Но то, что она была его музой, не вызывает никакого сомнения.

Восемь Элвисов (1963)

Кому-то может показаться, что картина изображает лишь многократное фотографическое изображение знаменитого певца

Но редакция most-beauty обращает ваше внимание на то, что в этой картине есть тонкий философский подтекст. Каждый образ Элвиса — это отпечаток, и каждый последующий такой отпечаток накладывался на предыдущий

Постепенно они наслаиваются и собираются в правой части картины. Все знают, что жизнь Элвиса Пресли, культового певца, оборвалась в самом расцвете лет от употребления наркотиков. Эта картина — размышление о страхе смерти, образе жизни, славе и забвении даже самых выдающихся современников. Для картины Уорхол взял кадр из фильма, в котором снимался молодой певец. Первоначальный вариант картины предполагал 16 изображений, но Энди Уорхол оставил лишь 8, создав параллельно двойного и тройного Элвиса. В 2009 году «Восемь Элвисов» ушли к тайному покупателю за $100 млн.

5

Энди Уорхол. Творчество. Первый успех

Начало 50-х годов отмечено в биографии неординарного художника первым заметным успехом. Всё произошло после того, как он придумал рекламу обуви для компании «И. Миллер». Эксцентричная манера рисования Уорхола пришлась всем по душе. Он изобразил на нарисованной чернилами обуви специально сделанные кляксы. Это был переворот в мире рекламы, а для Энди — первый творческий успех, который принёс ему новые выгодные контракты. Вскоре художник Энди Уорхол начинает получать в год больше 100 тысяч долларов. А 1952-й — это год, когда состоялась первая выставка, на которой были представлены его работы. Выставка прошла в Нью-Йорке, а уже через четыре года Уорхола принимают в «Клуб художественных редакторов». Совсем скоро он уже начинает создавать свои картины, которые строит на необычном методе — трафаретная печать. Так он увлекся ещё и фотографией, но особое место в своей жизни Энди отводил изобразительному искусству.

Бирюзовая Мэрилин (1964)

От Энди Уорхола не ускользнула ни одна значимая звезда современности. Мэрилин Монро — это символ женственности и красоты всех времён и народов. Энди тиражировал ее изображение много раз, но одним из удачных изображений является «Бирюзовая Мэрилин». Ярко-жёлтые волосы, томный взгляд, бирюзовые тени, приоткрытый рот, яркая помада на губах, призывная родинка на лице — желанный образ женщины-богини для большинства мужчин. Сегодня эта картина воспринимается совсем иначе, чем в конце 1960-х, так как современный зритель знает, какой сложной была творческая и личная жизнь актрисы, сколько душевных мук она испытывала, и каким трагическим был её конец. Этот образ окрестили своеобразной Джокондой XX века. В 2007 году этот портрет ушёл за $80 млн.

6

Образование Уорхола

Ещё учась в школе, юноша планировал поступить в Университет Питтсбурга, а получив там художественное образование, преподавать рисование. Но по окончании школы планы меняются, Уорхол Энди поступает в Технологический институт Карнеги. В его планах — карьера коммерческого иллюстратора. В 1949 году он уже бакалавр изящных искусств на отделении «Графический дизайн». Учился будущий художник хорошо, даже был лучшим на курсе, но не всегда находил общий язык как с сокурсниками, так и с преподавателями. У него всегда была активная жизненная позиция. В это время Энди посещает вечеринки, концерты симфонических оркестров, интересуется балетом.

Красный Ленин (1987)

Знаменитая икона поп-арта. Не удивительно, что Энди Уорхол обратил свой взор на лидера русской революции, который перевернул жизнь самой огромной страны на планете. Это одна из последних картин художника. Автор очень точно подметил черты характера Ленина, выбрав именно этот образ: Ленин ещё молод, его взгляд строг, губы решительно сжаты, его можно сравнить с хищником перед броском. Лик изображён на огненно-красном фоне, как символе кровавой и беспощадной революции. Это некий штамп, икона, которая 70 лет смотрела со стен и страниц учебников когда-то великой страны СССР.

По иронии судьбы картина принадлежала одиозному и опальному российскому олигарху — Борису Березовскому. Перед смертью он продал её за 200 тыс. долларов. Ещё один вариант картины «Чёрный Ленин» был продан за 110 тысяч долларов неизвестному покупателю.

Работа [ править ]

Картины Колберта вытекают из диалога, созданного художниками эстрады Ричардом Гамильтоном , Джеймсом Розенквистом и Роем ​​Литченштином. Работы Кольбера предполагают присвоение. Кольбер называет свое альтер-эго «современным героем сюрреализма». Картины Колберта объединяют в себе влияние старых мастеров от Рубенса до Ван Дейка, его одержимость повседневными потребительскими образами и насыщенность цифровых медиа.

Скульптурная работа Кольбера включает в себя носимые произведения искусства, такие как «Платье для писсуара, платье для мяса и платье для стиральной машины».

Скульптура Кольбера «Лобстер» была выставлена ​​в квадрате Святого Сальватора в Университете Сент-Эндрюс в период с 21 по 30 октября 2020 года в надувной форме, что вызвало цифровой отклик у студентов университетов, которые использовали мемы для использования омара. как символ неуместного финансирования университетов и отсутствия поддержки студентов во время COVID-19.

« Мы живем в мире ультра поп насыщения, своего рода мега — поп — мире , где массовое потребление Instagram и медиа — образность слияния социальные с художественной памяти, » говорит Колберт.